LAS MUJERES EN EL ARTE

Desde aquí, sólo saludaros y tranquilizaros mucho-muchisimo: la corrección de exámenes sigue su curso y en breve la conoceréis. Para compensar la espera, os regalo este video "Las mujeres en el arte" que, si no lo conoceis ya, os sorprenderá gratamente ... (volumen a tope para poder deleitarse a la vez con la suite número 1 para chelo de Juan Sebastián Bach) . ¡Que os guste!

Inés Hidalgo.

LAS PUERTAS DEL BAPTISTERIO DE FLORENCIA, DE GHIBERTI

Nos encontramos ante las Puertas del Baptisterio de Florencia, esculturas talladas en bronce por Ghiberti en el siglo XV durante el Quattrocento, con estilo renacentista.

En cuanto al contexto histórico diremos que el Renacimiento es un movimiento cultural y artístico que se inició en Italia en el siglo XV, y se extiende por Europa en el siglo XVI. Este movimiento trata de recuperar las formas y valores de la Antigüedad clásica (orden, belleza, proporción). Esta recuperación vino facilitada por el descubrimiento de las ruinas griegas y romanas y la obra escrita del arquitecto romano Vitrubio. Se realiza entorno a una serie de ideas y valores como son el amor, la naturaleza, el arte y la cultura (lejos del oscurantismo medieval), el individualismo y la valoración de los artistas (considerados cada vez menos artesanos y valorados como intelectuales. El Renacimiento se divide en tres fases: el Quattrocento, siglo XV; el Cinquecento, siglo XVI; y el Manierismo, finales del siglo XVI, transición al Barroco.

Desde el punto de vista del análisis formal podemos decir que las puertas están compuestas por una serie de relieves enmarcados. En la Puerta Norte los relieves están enmarcados en casetones cuatrilobulados que reflejan distintas escenas religiosas. Sin embargo la Puerta del Paraíso está compuesta por diez relieves en bronce dorado que estan enmarcados en finas molduras.

Desde el punto de vista del análisis del contenido los relieves de las dos puertas tienen temática religiosa del Nuevo Testamento. En la Puerta Norte la escena más destacada es el Sacrificio de Isaac, y en la Puerta del Paraíso aparecen escenas como la Creación de Adan y Eva, El Pecado original y la Expulsión del Paraíso.

Para comentar en profundidad esta obra diremos que la primera puerta construida fue la Puerta Norte. La ciudad de Florencia quería embellecer el Baptisterio cambiando las viejas puertas de madera por unas nuevas de bronce, así que convocaron un concurso que consistía en presentar un relieve en bronce con la escena del Sacrificio de Isaac. Brunelleschi también se presentó a este concurso pero el ganador finalmente fue Ghiberti debido al tratamiento de las figuras y del paisaje con un gran realismo y el interés demostrado en esta escena con la aparición del cuerpo desnudo de Isaac. La composición diagonal que divide las dos escenas resulta muy innovadora y debido al éxito que causó su obra completa fue encargado de realizar la siguiente puerta del Baptisterio, la Puerta del Paraíso. Esta está compuesta por diez relieves en bronce dorado representando historias del Antiguo Testamento que están enmarcadas en finas molduras. La perspectiva de las escenas de alto y bajo relieve da sensación de imagen exenta. Esta técnica de aplastamiento en los fondos llamada stiacciato es utilizada por Ghiberti en las puertas y que posteriormente desarrolla Donatello en el Ciquecento. Esta composición repleta de relieves hasta en las jambas y el dintel de la puerta dan sensación ser una escena continua, en la que se enlazan las historias.

Como conclusión diremos que estas puertas nos muestran el virtuosismo de Ghiberti que se considera el iniciador del nuevo estilo y un gran humanista al igual que Brunelleschi, Donatello y Alberti.

Puerta Norte

                                                                   Puerta del Paraíso

Virginia Esteban

FLAGELACIÓN DE CRISTO, DE PIERO DELLA FRANCESCA

Nos encontramos ante la Flagelación de Cristo, pintura realizada por Piero della Francesca en el siglo XV durante el Quattrocento, con estilo renacentista.

En cuanto al contexto histórico diremos que el Renacimiento es un movimiento cultural y artístico que se inició en Italia en el siglo XV, y se extiende por Europa en el siglo XVI. Este movimiento trata de recuperar las formas y valores de la Antigüedad clásica (orden, belleza, proporción). Esta recuperación vino facilitada por el descubrimiento de las ruinas griegas y romanas y la obra escrita del arquitecto romano Vitrubio. Se realiza entorno a una serie de ideas y valores como son el amor, la naturaleza, el arte y la cultura (lejos del oscurantismo medieval), el individualismo y la valoración de los artistas (considerados cada vez menos artesanos y valorados como intelectuales. El Renacimiento se divide en tres fases: el Quattrocento, siglo XV; el Cinquecento, siglo XVI; y el Manierismo, finales del siglo XVI, transición al Barroco.

Desde el punto de vista del análisis formal diremos que es una pintura realizada en temple sobre tabla. La obra está dividida en dos partes separadas por una columna situada hacia la dertecha. A la derecha y en primer plano vemos a tres hombres conversando, y a la izquierda, en un segundo plano, la flagelación de Cristo, tema principal de la obra. El autor utiliza una gama de rojos para destacar el primer plano.

Desde el punto de vista del análisis del contenido diremos que es una pintura de tema religioso. Durante esta época los mecenas de la pintura eran los Médici pero se cree que esta obra no fue un encargo sino una creación personal.

Para comentar en profundidad esta obra diremos que sigue las características de la pintura del Quattrocento, por ejemplo el uso de la perspectiva lineal, cuyo punto de fuga se sitúa en el verdugo; la temática religiosa; el interés por el estudio del cuerpo humano, que se aprecia en la semidesnudez de Cristo; la definición de las figuras a partir de las luces y sombras, etc. Piero della Francesca fue uno de esta época junto a Fra Angélico, Masaccio y Botticelli. Se caracterizaba por la representación de las figuras geometrizadas y la perspectiva supermarcada. Como Piero della Francesca desarrolló su obra en ciudades más pequeñas y no en Florencia, su estilo se hizo muy personal, aunque si que entró en contacto con pintores venecianos que influyeron en sus fondos paisajísticos. Las obras más destacadas de este autor son ésta y Los Retratos de los Duques de Urbino.

Como conclusión podemos decir que esta obra está marcada por un aire de sobriedad geometrica, destacada notablemente en las figuras.

Virginia Esteban 

La trinidad de Masaccio

Nos encontramos ante la obra pictórica La Trinidad en la iglesia de Santa María Novella, pintada por Masaccio en el s.XV

En cuanto al contexto histórico diremos que el renacimiento es un movimiento cultural y artístico que se inicio en Italia en el s.XV y se extenderá a lo largo del s.XVI por Italia y el resto de Europa. Este movimiento trata de recuperar las formas y valores da la Antigüedad Clásica. Esta recuperacion vino facilitada por: el descubrimiento de la obra escrita del arquitecto Romano Vitrubio y por el conocimiento de las ruinas griegas y romanas. Esta recuperación se realiza en torno a una serie de ideas y valores como son el amor hacia la naturaleza y el arte y a la cultura y el individualismo y la valoración de los artistas.

Desde el punto de vista del análisis formal vemos en una primera imagen central a Cristo crucificado por debajo de su padre  y a sus lados un poco más abajo se encuentra San Juan y la Virgen,además encontramos los donantes en el escalón exterior y finalmente el sepulcro donde pinta un esqueleto. Toda esta escena se desarrolla en el altar de la iglesia. 

Desde el punto de vista del análisis del contenido observamos que esta obra cumple muchas características de la época como dominar a la perfección el espacio con lo que consigue una gran perspectiva y proporción, además existe un punto de fuga situado a la altura de los ojos del espectador. En esta época ya no es la pintura la que se adapta al marco o a la pared sino que ahora el muro o el marco se adaptan a la pintura lo que da sensación de libertad e importancia del dibujo. La técnica usada en la pintura sigue siendo el fresco como en épocas anteriores y la temática religiosa. 

Desde el punto de vista del análisis del comentario diremos que a Masaccio se le consideró pionero del renacimiento junto con Bruneleschi y Donatello. Este fresco en concreto le fue encargado por Felipe Brancacci y es su obra más representativa. Masaccio en sus obras consigue sombrearlas e iluminarlas sin dibujar los contornos, eso supuso una revolución en el S.XV. Además Masaccio es de los primeros que comienza a hacer perspectiva elementos arquitectónicos pintados lo que se conoce como trampantojo.

Como conclusión diremos que la obra de Masaccio consta de una composición piramidal.


Pablo Tejo 

San Jorge de Donatello

Nos encontramos ante una obra escultorica, el San Jorge, esculpido en mármol por Donatello en el s.XV.

En cuanto al contexto histórico diremos que el renacimiento es un movimiento cultural y artístico que se inicio en Italia en el s.XV y se extenderá a lo largo del s.XVI por Italia y el resto de Europa. Este movimiento trata de recuperar las formas y valores da la Antigüedad Clásica. Esta recuperacion vino facilitada por: el descubrimiento de la obra escrita del arquitecto Romano Vitrubio y por el conocimiento de las ruinas griegas y romanas. Esta recuperación se realiza en torno a una serie de ideas y valores como son el amor hacia la naturaleza y el arte y a la cultura y el individualismo y la valoración de los artistas.

Desde el punto de vista del análisis formal observamos una estatua de bulto redondo en la cual aparece un guerrero vestido con una armadura y con un escudo donde se representa la cruz de San Jorge. El personaje asienta las dos piernas firmemente en la tierra, la mano derecha cae con el puño cerrado, el rostro está levantado y la mirada se pierde en el infinito.

Desde el punto de vista del análisis del contenido vemos que la escultura cumple algunas características generales del Quatroccento, como el realismo idealizado, es una escultura de bulto redondo y uno de los temas es la figura humana. En esta obra el estudio de la anatomía solo podría darse en la cabeza y en las manos ya que el resto del cuerpo está cubierto. Además la figura tiene cierta perspectiva ya que el cuerpo está proporcionado para dar mayor sensación de realismo.

Desde el punto de vista del análisis del comentario podemos decir que esta estatua debía colocarse en una hornacina de la iglesia de Orsanmidele, Florencia, es decir, la escultura seguía vinculada a la arquitectura para adornar. La imagen nos transmite la fuerza del guerrero, debido a rasgos como su puño cerrado, o sus piernas firmes en el suelo y el escudo ayuda a dar sensación de solidez fuerza y equilibrio.

Como conclusión podemos decir que esta obra es del escultor más importante del Quatroccento el cual colaboró con las puertas del baptisterio, ya que fue aprendiz de Ghiberti, aunque cabe destacar que al final el aprendiz superó al maestro.


Pablo Tejo

Nos encontramos ante el palacio Rucellai, arquitectura realizada en el siglo XV cuyo autor es Battista Alberti y de estilo renacentista del Quattrocento.

En cuanto al contexto hitórico diremos que el Renacimiento es un movimiento cultural que se inicia en Italia en el siglo XV y se extenderä a lo largo del siglo XVI por el resto de Europa incluyendo a España. Este movimiento trata de recuperar los valores y las formas de la antigüedad clásica como la belleza, la proporción, el orden. Esta recuperación vino facilitada por el descubrimiento de la obra escrita de Vitrubio y de las ruinas arqueológicas griegas y romanas, y se realiza en torno a ideas y valores como el amor por la naturaleza, por el arte, por la cultura ( lejos del oscurantismo medieval), ahora se empieza a valorar a los artistas como intelectuales y no solo como artesanos.

El Renacimiento se divide en tres fases: una primera etapa de iniciación o Quattrocento, una segunda etapa de consolidación o Cinquecento y una última etapa de transición al Barroco o manierista.

Desde el punto de vista del análisis formal el palacio es de planta cuadrángular o rectángular. Se compone de diferentes pisos: en la planta baja podemos encontrar un zócalo o banco debajo de pilastras de estilo dórico, en el primer piso las pilastras son jónicas y se alternan con ventanas a su vez divididas por una pequeña columna y sobre esta un tímpano como decoración con formas renacentistas como el arco de medio punto.En el segundo piso encontramos pilastras corintias con la misma decoracion en ventanas que el piso inferior. Rematando el ultimo piso encontramos una cornisa sostenida por ménsulas. Para separar cada uno de ellos utiliza frisos.

Para decorar toda la fachada utiliza la técnica del almohadillado en cada piso diferente y en el zócalo imita el oppus reticulatum.

Desde el punto de vista del análisis del contenido diremos que su función era como vivienda de las familias adineradas y también tenía una función administrativa y económica.

Para comentar en profundidad, el interior de los palacios del Quattrocento disponían de un patio interior een torno al cual se diponía el resto de la vivienda cuya función era proporcionar luz a las habitaciones. El primer piso y el segundo era la parte privada del edificio mientras que la planta baja era la parte pública.

Este palacio sigue las características propias de los palacios del Quattrocento como la importancia de la fachada para simbolizar poder, la sensacion de horizontalidad por el uso de frisos separando los pisos, usan elementos clásicos , la repetición de estos elementos...

Se toma la superposición de órdenes en los diferentes pisos inspirandose en el Coliseo y el teatro Marcelo de Roma.

De Alberti, el autor del palacio,podemos decir que estaba muy influenciado por la antigüedad clásica romana ya que imita arcos de triunfo, frontones clásicos, casetones. También aplica sus conocimientos matemáticos del número áureo en fachadas como en Santa Maria de la Novella.Otra obra suya sería la iglesia de San Andrés.

Como conclusión este palacio representó un gran avance en la arquitectura civil del momento y puede considerarse un buen ejemplo de la arquitectura urbana y palaciega florentina.

BLANCA BENITO

Comentario: El tributo de la moneda

Estamos ante la pintura El Tributo de Moneda de estilo renacentista del Quattrocento realizada al fresco por Masaccio en el SXV.

Desde el punto de vista del contexto histórico diremos que el Renacimiento es un movimiento cultural y artístico que se inicio en Italia en el SXV y se extenderá a lo largo del SXVI Europa, España e Italia incluidas. Trata de recuperar las formas y valores de la antigüedad clásica, orden, belleza, proporción. Esta recuperación vino facilitada por el descubrimiento de la obra escrita del arquitecto romano Vitrubio y por el conocimiento de ruinas arqueológicas griegas y romanas. Dicha recuperación se realiza en torno a una serie de valores e ideas como son: el amor a la naturaleza y al arte, lejos del oscurantismo medieval e individualismo. Los artistas son cada vez mas valorados como intelectuales y no como artesanos. El Renacimiento se divide en tres etapas; una primera etapa de iniciación que corresponde con el Quattrocento SXV, una segunda etapa de consolidación que corresponde con el Cinquecentto SXVI y por ultimo una etapa de transición al Barroco que corresponde con las corrientes manieristas dadas a finales del SXVI.

Desde el punto de vista del análisis formal diremos que esta realizada al fresco. En esta obra  reproduce una escena narrativa dividida en tres secuencias. En el centro, eje principal aparace Cristo rodeado de sus discípulos y el recaudador que exige con la mano extendida el tributo para el templo. Jesús le pide a Pedro que coja un pez y dentro de su boca haya la moneda que necesitaba. A la izquierda, el apóstol extrae la moneda y a la derecha de la escena la entrega al funcionario.

Para comentar en profundidad esta obra diremos que cumple con las características de la pintura del Quattrocento que son las siguientes: realismo e interés por la anatomía humana, uso de la perspectiva lineal, creación de un punto de fuga en el centro para aportar mayor equilibrio simetría armonía etc. Aumenta la importancia del dibujo respecto a épocas anteriores( Giotto) los contornos ahora se van perdiendo. Se introducen tecnicas como temple sobre tabla de influencia gótica, el oleo sobre lienzo y también se sigue utilizando el fresco como en la obra que estamos comentando. Abundan los temas religiosos, mitológicos y retratos. El autor de esta obra Masaccio fue uno de los principales pintores cuatrocentistas junto con Fra Angelico , Piero della Francesca y Boticelli. Masaccio esta considerado como iniciador de la pintura renacentista del Quattrocento. Se influyo por Giotto, aunque las figuras de Masaccio destacan por su monumentalidad, robustez, consigue soombrearlas e iluminarlas sin dibujar demasiado los contornos. Lo que mas le caracteriza es el dominio del espacio la prespectiva y la proporcion. Otras obras  suyas junto con la comentada son: La Trinidad y Expulsion de Adan y Eva del paraiso.

Como conclusion diremos que este fresco esta  decorando la capilla Brancacci, iglesia de Santa Maria del Carmine, Florencia junto a otros frescos. La capilla recoge momentos de la vida de San Pedro.

Carla Sanz

Comentario: El Condottiero Gattamelata

Nos encontramos ante una escultura ecuestre de estilo renacentista del Quattrocento llamada El Condottiero Gattamelata fundida en bronce por Donatello en el S.XV sobre un pedestal de mármol.

Desde el punto de vista del contexto histórico diremos que el Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico que se inició en Italia en el SXV y se extenderá también a lo largo del SXVI por Italia, Europa, España incluida.Trata de recuperar las formas y valores de la antigüedad clásica, orden, belleza, proporción. Esta recuperación vino facilitada por el descubrimiento de la obra escrita del arquitecto romano Vitrubio y por el conocimiento de ruinas arqueológicas griegas y romanas. Dicha recuperación se realiza en torno a una serie de valores e ideas como son: el amor a la naturaleza y al arte y pintura en general, lejos del oscurantismo medieval, individualismo, cambia la valoración de los artistas, son valorados cada vez mas como intelectuales y no como artesanos. El Renacimiento se divide en tres etapas. La primera corresponde con el Quattrocento, es una etapa de iniciación que tiene lugar en el SXV, la segunda es llamada Cinquecentto corresponde con el SXVI , es una etapa de consolidación. El Manierismo es la etapa que pone fin al Renacimiento, es una etapa de transicion al Barroco.

Desde el punto de vista del análisis formal podemos observar que es una escultura ecuestre de bulto redondo. El jinete Gattamelata luce una armadura ricamente decorada como símbolo de poder. El caballo levanta una de sus patas delanteras y la apoya en una bola por motivos de equilibrio.

Desde el punto de vista del analisis del contenido diremos que representa a el jefe de los ejércitos mercenarios al servicio de Venecia conocido como Condottiero Gattamelata.

Para comentar el profundidad esta obra diremos que cumple con las características de la escultura del Quattrocento que son: realismo idealizado, se busca la semejanza ensalzando la belleza, el tema principal es anatomía humana, el estudio del cuerpo humano. La escultura es independiente de la arquitectura debido a ellos se desarrollan obras de bulto redondo como la que estamos comentando. Utilizan la perspectiva lo que aporta un realismo mayor. Los temas utilizados son variados: religiosos, paganos, mitológicos, civiles...Los materiales predominantes son el mármol y el bronce. El autor de esta obra Donatello fue uno de los escultores mas destacados del Quattrocento junto con Ghiberti, junto a el colaboro en las puertas del baptisterio. Su escultura se caracteriza por un fuerte realismo, expresividad, emoción. Domino perfectamente el estudio de la anatamia humana,logro representar al ser humano en sus diferentes etapas: niñez, adolescencia etc. Utiliza el stiacciato ( aplastado) tecnica en bajorelieve en la que los planos de la composición se aplastan unos con otros. Otras obras importantes de el jutno con la que estamos comentando son por ejemplo El David y El San Jorge. Para realizar el retrato de el Condottiero posiblemente tomo como modelo la figura ecuestre de Marco Aurelio.

Como conclusión diremos que esta obra destaca por su monumentalidad. Probablemente la familia del Condottiero se la engargara a Donatello tras su muerte.

Carla.

La Anunciacion

 Nos encontramos ante una obra pictorica, la Anunciacion de Fra Angélico del siglo XV, pintado en temple sobre tabla.


En cuanto al contexto histórico diremos que el renacimiento es un movimiento cultural y artístico que se inicio en Italia en el s.XV y se extenderá a lo largo del s.XVI por Italia y el resto de Europa. Este movimiento trata de recuperar las formas y valores da la Antigüedad Clásica. Esta recuperacion vino facilitada por: el descubrimiento de la obra escrita del arquitecto Romano Vitrubio y por el conocimiento de las ruinas griegas y romanas. Esta recuperación se realiza en torno a una serie de ideas y valores como son el amor hacia la naturaleza y el arte y a la cultura y el individualismo y la valoración de los artistas.


Desde el punto de vista del análisis formal, esta obra presenta dos escenas en paralelo que suceden a la vez. en la parte izquierda encontramos la expulsión del paraíso de Adán y Eva: aparecen dos personajes un hombre y una mujer situados en un jardín, detrás de ellos se encuentra un ángel. En la esquina superior esta el sol del que salen unas manos conduciendo un rayo de luz hacia la imagen principal de la derecha. En la imagen principal encontramos dos personajes, la virgen y un ángel, enmarcados por un pórtico renacentista. Dentro del rayo de luz hay una paloma y al fonde una puerta nos muestra una estancia con un banco corrido.Predominan los colores pastel como el amarillo, el rosa, el azul...


Desde el punto de vista del análisis del contenido esta pintura es de tema religioso. Un ángel comunica la noticia a la virgen Maria a la vez que Adán y Eva son expulsados del paraíso.


Para comentar en profundidad, este cuadro es la parte central de un retablo, en el que se representan dos escenas.
Las dos escenas se relacionan por el hecho de que Dios expulsó a Adán y Eva del edén, pero les prometió que les traería un Mesías; de ahí que el rayo de sol que proviene de la escena de la izquierda (expulsión del paraíso) con la mano de Dios, descienda y alumbre directamente hacia el rostro de María, que será la madre del Salvador que anunció Dios.
Predominan los colores pastel en la representación, muy típico de Fray Angélico. Los colores utilizados por el autor pertenecen en su totalidad a la gama fría. Estos colores aportan sobriedad , paz, y sobre todo belleza a la escena.El autor también utilizo pan de oro.
Esta obra fue pintada en temple sobre tabla para la iglesia del convento de Santo Domingo de Filesole.
Fra Angelico pone de manifiesto la influencia medieval y los avances del nuevo estilo. El canon estilizado de las figuras, lo esbeltas y las finas columnas del pórtico presentan pervivencias del gótico.

Como conclusión diremos que esta obra nos recuerda al retrato de Simone Martini de la Anunciación en el Gótico Sienes del siglo XIV.

Sanda Pedriza Barbado.

EL DAVID DE DONATELLO

Nos encontramos ante una obra escultorica, el David de Donatello, del siglo XV de estilo renacentista, esculpido en bronce.

En cuanto al contexto histórico diremos que el renacimiento es un movimiento cultural y artístico que se inicio en Italia en el s.XV y se extenderá a lo largo del s.XVI por Italia y el resto de Europa. Este movimiento trata de recuperar las formas y valores da la Antigüedad Clásica. Esta recuperacion vino facilitada por: el descubrimiento de la obra escrita del arquitecto Romano Vitrubio y por el conocimiento de las ruinas griegas y romanas. Esta recuperación se realiza en torno a una serie de ideas y valores como son el amor hacia la naturaleza y el arte y a la cultura y el individualismo y la valoración de los artistas.

Desde el punto de vista del analisis formal es una escultura de bulto redondo de cuerpo entero, esta de pie. En ella aparece un David muy joven después de haber derrotado al gigante Goliat. David pisa la cabeza pensativo, en sus manos sujeta la espada de Goliat y la honda con la que lo derroto. David aparece con el sombrero de paja típico de la Toscana del que caen mechones del pelo, lleva también una corona de hojas de amaranto.

Desde el punto de vista del análisis del contenido, esta es cultura hace referencia a un pasaje de la biblia, su función es religiosa.

Para comentar en profundidad diremos que, Donatello opta por representar el pasaje bíblico del enfrentamiento entre David y Goliat en el momento posterior al enfrentamiento.
Esta obra fue realizada en bronce fundido y pulido. En principio la escultura se colocó en el patio del palacio de los Médicis, pero cuando Piero de Médicis fue expulsado de la ciudad la estatua fue trasladada al patio del Palazzo Vecchio, sede de la señoría de la república. Actualmente se halla localizada en el museo del Bargello de Florencia.La escultura puede ser contemplada desde distintos puntos de vista y el contrapposto, así como la cabeza ligeramente girada hacia un lado, rompen totalmente con la ley de la frontalidad.
Busca la belleza ideal en la imagen de un David adolescente. El cuerpo de David aparece representado como si de un Dios olímpico se tratara.David es un joven de anatomía blanda apenas desarrollada que adopta la postura clasicista del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre la pierna derecha, su cadera sobresale recreando la curva praxiteliana. El rostro sin barba del joven David expresa serenidad y contrasta con el vencido Goliat cuyo rostro posee facciones marcadas y barba.

En conclusión, La obra es del Quatrocento. Fue un encargo de Cosme de Médicis, hombre florentino que al devolver el poder a la República de Florencia se identifica con el personaje bíblico. Se trata de un símbolo de la victoria sobre sus enemigos, de manera que el David se asocia a la figura de Cosme regresando del exilio como un triunfador.

Sandra Pedriza Barbado

Botticelli ~ Nacimiento de Venus

Nos encontramos ante el Nacimiento de Venus pintado con temple sobre lienzo, perteneciente al siglo XV y de estilo renacentista.


El Renacimiento es un movimiento cultural y artístico que nació en Italia en el s.XV y se extendió por toda Europa durante el s.XVI. Este movimiento trata de recuperar las formas y valores de la Antigüedad Clásica (orden, belleza, proporción...). Esta recuperación se vio facilitada por dos cosas: El descubrimiento de la obra escrita por el arquitecto romano Vitrubio y el conocimiento de las ruinas griegas y romanas. Esta recuperación se realiza en torno a una serie de valores e ideas como son el amor a la naturaleza, al arte y a la cultura en general, lejos del oscurantismo medieval y el individualismo y la valoración de los artistas considerados cada vez menos artesanos y más como intelectuales.
Este Renacimiento se encuentra dividido en tres fases:
1- INICIACIÓN: Quattrocento (s.XV)
2- CONSOLIDACIÓN: Cinqueccento (s.XVI)
3- MANIERISMO: Finales (s.XVI) / Transición al Barroco.


En cuanto al análisis formal, diremos que la obra está pintada con temple sobre lienzo, los colores que Botticelli utiliza son principalmente colores cálidos puesto que la escena es alegre. Hay cierta perspectiva en cuanto a que Venus está situada en el centro del cuadro pero la ninfa está algo más delante situada y los vientos algo más atrás. Se trata de una composición equilibrada y en cuanto a la técnica se puede apreciar que los planos son más claros. La composición es totalmente frontal y aparece simetría en cuanto al lado izquierdo y al derecho se refiere. La luz que presenta el cuadro es una luz natural, no se aprecia mucho contraste salvo en el fondo derecho del cuadro, que se aprecian tonos más oscuros que dan lugar a ciertas sombras. El personaje central capta toda la atención, son personajes ligeros, esbeltos, sinuosos y sensuales.


En cuanto al análisis del contenido diremos que la obra fue encargada por los grandes mecenas del Quattrocento, los Médici, que usaban estos grandes cuadros para decorar las paredes de sus grandes villas por lo que el tema de la obra es íntegro mitológico, puesto que cuenta la historia de Venus, hija de Urano y nacida del mar. Botticelli muestra en su obra la llegada de Venus sobre una concha a una isla mediterránea que podría ser Chipre o alguna otra. Junto a ella, aparecen Céfiro, Dios del viento, Áurea, Diosa de la brisa y una ninfa, Diosa de la primavera que recibe a Venus para cubrirla el desnudo con su manto de flores.


Para comentar en profundidad esta obra diremos que se ve cierta influencia medieval en cuanto a la técnica usada puesto que el temple es de tradición medieval. En cuanto al tema, al ser un tema mitológico, se recupera la tradición clásica. Esta obra, se trata del primer desnudo pintado del Renacimiento puesto que hay que destacar que venimos del Gótico, una época en la que no se pintaban desnudos ni apenas aparecían otros temas que no fueran religiosos, por lo que esta obra, rompe con lo establecido anteriormente volviendo a la antiguedad clásica. El autor de la obra, Botticelli, se basó en varias pinturas, en una mujer real de su época la cual era muy admirada por todos por su gran belleza, hablamos de La Bella Simonetta, cuyo nombre era Simonetta Vespucci a la que Bitticelli siempre representaba con gran sensualidad y largos cabellos ondulantes y además, la vistió de finas gasas que dejaban traslucir la anatomía humana o directamente representaba su desnudo.


Como conclusión diremos que Botticelli, al crear unos personajes tan perfectos y equilibrados y al utilizar una riquísima gama cromática, crea una de las obras más bellas del Quattrocento italiano.

Esta imagen pertenece a una ampliación de la Venus pintada por el autor (Nacimiento de Venus). 






























                                                                   Noelia Sancho de Santos.

Unas pinceladas de Quattrocento:

LA HISTORIA DE 

NASTAGIO DEGLI ONESTI

(TABLAS DE BOTICELLI Y SU TALLER EN EL MUSEO DEL PRADO 

BASADAS EN EL DECAMERÓN DE BOCACCIO)

Puesto que dentro de un mes y pocos días previsiblemente visitaremos el Museo del Prado y tendremos la enorme suerte de maravillarnos con obras valiosísimas del Renacimiento, del Barroco, y hasta del mismísimo Goya, vamos abriendo boca con estas breves pinceladas sobre algunas de las obras que allí veremos: las tablas que Boticelli y su taller pintaron en pleno Quattrocento (siglo XV) en esta primera etapa del Renacimiento, y que por azar del destino, terminaron en nuestro querido Museo.
Aquí encontraréis los secretos que esconden estas tablas...

Inés Hidalgo Marín

Profe de Historia del Arte.

La historia de Nastagio degli Onesti es una narración de Giovanni Boccaccio, conocida principalmente por un ciclo de cuatro cuadros del pintor italiano renacentista Sandro Botticelli. Las pinturas fueron ejecutadas en 1483, al temple sobre tabla.

Se creía que cada pintura de esta serie pictórica había sido parte de un cassone. Los cassoni matrimoniales eran arcones o baúles de lujo elaborados como regalo nupcial, que se decoraban en sus lados mayores con pinturas alegóricas, generalmente con un contenido moralizante que se consideraba apropiado para la joven pareja. La hipótesis actualmente más extendida apunta a que estas tablas son demasiado grandes para un arcón, y que en realidad eran spallieras: paneles decorativos que se encastraban en paredes forradas de madera (similares a las boiseriesfrancesas). El único dato seguro es que fueron un encargo de Lorenzo el Magnífico (otras fuentes indican a Antonio Pucci, padre del novio) como regalo para Giannozzo Pucci con ocasión de su matrimonio con Lucrezia Bini, matrimonio celebrado en 1483. En el tercer y cuarto panel aparecen los escudos de armas de las dos familias.

LA HISTORIA QUE NARRAN LAS TABLAS

Botticelli representó la historia, tomada de la octava novella de la Quinta Jornada del Decamerón de Boccaccio: «El infierno de los amantes crueles». Se trata de la historia de un joven de Rávena, Nastagio degli Onesti, rechazado por su amada. Ve en el bosque a una mujer perseguida por un jinete, quien la ataca y mata; inmediatamente, ella se levanta y vuelve a repetirse el castigo sin fin, debido a que se trata de fantasmas, una maldición, debido a que la joven perseguida no atendió a los requerimientos de su pretendiente y éste se suicidó. Nastagio cree que tal aparición puede serle útil: hace que su desdeñosa amada la vea, con lo que consigue finalmente vencer su resistencia y llegar a un matrimonio feliz.

Primera tabla.

Segunda tabla.

Tercera tabla.

Cuarta tabla (no presente en el Museo del Prado)

Las cuatro pinturas pertenecieron durante casi tres siglos a la familia Pucci, descendiente de la pareja que las recibió directamente de Botticelli. En el siglo XIX salieron a la venta y a principios del siglo siguiente pasaron por la colección alemana Spiridon. La colección privada del Palacio Pucci en Florencia recuperó la cuarta en 1960, mientras que las tres primeras pasaron al Museo del Prado de Madrid en 1941 mediante la donación de Francesc Cambó.

La autoría real de las pinturas ha sido muy debatida ya desde el siglo XIX. Parecía evidente, por desigualdades en el dibujo y en los tonos, que todas no habían sido realizadas por el mismo artista. Actualmente se cree que Botticelli realizó los cuatro diseños, y que fueron pintados por diversos ayudantes de su taller, como Bartolommeo da Giovanni, Jacopo dal Sellaio y Filippino Lippi. De todas formas, la calidad de algunas figuras apunta a que las pintó Botticelli, quien seguramente supervisó la realización del conjunto.

En los dos primeros paneles se narra la aparición fantasmal, en el tercero se describe el banquete que organiza Nastagio para sorprender a su novia, y en el último se muestra el banquete de bodas, final feliz de la pareja.

FUENTE: WIKIPEDIA.